Fumino Hasegawa
Zeit und Material
Zeit und Material bilden wiederkehrende Ausgangspunkte in Fumino Hasegawas Arbeit. Blurred Time ist eine Uhr, bei der sich gefaltetes Transparentpapier kontinuierlich bewegt. Durch Rotation und Überlagerung entstehen wechselnde Formen und Schatten. Statt einer exakten Zeitanzeige steht der Verlauf der Zeit im Mittelpunkt.
Ihre Masterarbeit The Space Between basiert auf dem japanischen Konzept “Ma”– dem Raum zwischen Dingen, Handlungen oder Ereignissen. Hasegawa überträgt diesen Gedanken auf ein Teeritual. Ein auf Dampf reagierender Papierdeckel sowie Gefässe aus Porzellan und Washi begleiten die Zeit, in der der Tee abkühlt.
In „Bubla“ arbeitet Hasegawa mit Luftblasen in Glas. Gemeinsam mit der Glasmanufaktur Harzkristall entwickelte sie Gefässe, bei denen die Blasen gezielt im Material erzeugt und positioniert werden. Hasegawa studierte Product Design an der Kyoto University of the Arts und absolviert ihren Master in Product Design an der Weißensee Kunsthochschule Berlin.
In vielen deiner Projekte geht es um Zeit, Warten und Veränderung. Woher kommt dieses Interesse?
Mein Interesse an diesen Themen entstand während meiner Zeit in Kyoto, besonders während Covid-19. Kyoto war damals ungewöhnlich ruhig, weil kaum Touristen vor Ort waren. Dadurch hatte ich die Möglichkeit, die traditionelle japanische Kultur und das Handwerk intensiver kennenzulernen. Gleichzeitig habe ich mich mit meiner eigenen Identität beschäftigt. Aber auch persönliche Erfahrungen wie der Verlust eines nahestehenden Menschen und mein Abschied von Kyoto haben meine Sicht auf Zeit geprägt. Mir wurde bewusst, wie sehr unsere persönliche Situation und Emotionen beeinflussen, wie wir Zeit wahrnehmen und erleben.
In The Space Between wird die Wartezeit beim Teetrinken Teil des Erlebnisses. Was kann Design gewinnen, wenn es nicht alles schneller macht?
Durch die Teezeremonie habe ich gelernt, wie wichtig das Dazwischen, das sogenannte Ma (間), ist. Die Pausen zwischen einzelnen Handlungen schaffen Raum, um zur Ruhe zu kommen und sich neu auszurichten. Das hat mir dabei geholfen, meine Umgebung bewusster wahrzunehmen und kleine Dinge mehr wertzuschätzen. Ich glaube, dass Design etwas Ähnliches bewirken kann. Es muss nicht immer alles schneller und effizienter sein, sondern kann dazu einladen, innezuhalten und im hektischen Alltag achtsamer mit unserer Umgebung und unseren Mitmenschen umzugehen.
Wie beginnt ein neues Projekt bei dir: mit einer Beobachtung, einem Material oder einer konkreten Idee?
Meistens beginnt ein neues Projekt bei mir nicht mit einer konkreten Idee, sondern entwickelt sich aus Beobachtungen und dem Experimentieren mit Materialien. Ich arbeite gerne hands-on und lasse mich vom Prozess leiten. Oft fotografiere ich kleine Details, besondere Materialeigenschaften oder flüchtige Momente im Alltag, in denen ich gestalterisches Potenzial sehe. Ich beschäftige mich außerdem gerne mit japanischen Begriffen wie Ma (間), dem Raum zwischen Dingen, und Hakanasa (儚さ), der Schönheit vergänglicher Momente. Solche Beobachtungen und Gedanken sammle ich zunächst, bis sich daraus neue Verbindungen und nach und nach eine Projektidee entwickeln.
Du verbindest Einflüsse aus Japan und Deutschland. Wie prägt das deine Sicht auf Design?
Durch meine Erfahrungen in Japan und Deutschland habe ich unterschiedliche kulturelle Perspektiven und Herangehensweisen an Design kennengelernt. Ich beschäftige mich gerne mit den Menschen, Materialien und kulturellen Hintergründen, die mich umgeben, und verstehe Gestaltung als einen Dialog zwischen ihnen und meiner eigenen Perspektive. Natürlich gibt es Unterschiede darin, wie Dinge wahrgenommen und empfunden werden. Ich finde es daher spannend, diese Unterschiede durch Design miteinander in Beziehung zu setzen und daraus neue Sichtweisen und Interpretationen entstehen zu lassen.
In Bubla werden Luftblasen im Glas zum Gestaltungselement. Was interessiert dich an Fehlern und ungeplanten Ergebnissen?
Mich interessiert an Fehlern und ungeplanten Ergebnissen, dass sie oft Möglichkeiten eröffnen. Gerade bei der Arbeit mit Glas habe ich gelernt, flexibel auf das Material zu reagieren und mich auf seinen eigenen Charakter einzulassen. Bei Bubla gab es Versuche, bei denen die Luftblasen nicht sichtbar blieben oder das Glas beim Abkühlen zerbrach. Durch diese Erfahrungen habe ich eine neue Methode entdeckt, um die Blasen sichtbar zu halten und gleichzeitig die Stabilität des Glases zu sichern. Dabei habe ich gelernt, dem Prozess zu vertrauen und offen für unerwartete Ergebnisse zu bleiben.
Einige deiner Objekte verändern sich oder verschwinden während der Nutzung. Wie passt das zur Forderung nach langlebigem Design?
In einigen meiner Projekte beschäftige ich mich damit, warum wir manche Dinge lange behalten, während andere schnell weggeworfen werden. In Japan habe ich erlebt, wie wichtig die Pflege gemeinschaftlicher Räume und der respektvolle Umgang mit Dingen sind. Der japanische Begriff Hakanasa (儚さ) beschreibt für mich die Schönheit der Vergänglichkeit. Durch die Nutzung verändern sich Objekte und hinterlassen Spuren, die ihre Geschichte erzählen. Mich interessiert, wie diese Veränderungen unsere Beziehung zu Dingen prägen. Dabei möchte ich zeigen, dass Abnutzung und Vergänglichkeit nicht Makel sind, sondern auch eine ästhetische Qualität besitzen können.
Was sollen Menschen durch deine Objekte anders wahrnehmen als zuvor?
Mir ist es wichtig, dass Menschen meine Objekte in die Hände nehmen, sie betrachten und sich Zeit nehmen, sie zu entdecken. Meine Arbeiten sind oft sensibel und fein gestaltet, wobei ihre Qualität in der Ästhetik und in kleinen Details liegen. Da jeder Mensch unterschiedliche Erfahrungen und Hintergründe mitbringt, kann die Wahrnehmung individuell sein. Ich möchte mit meinen Ansätzen die Aufmerksamkeit auf Dinge lenken, die im Alltag oft übersehen werden und dazu anregen, die eigene Umgebung bewusster wahrzunehmen und eine persönliche Verbindung zwischen Mensch und Objekt zu schaffen, die durch das Berühren, Betrachten und Erfahren entsteht.
